‘관념에서 생활세계로 - 뒤집으며 이해해가기’
 
                                                                                                                                                                                               박춘호 (문학박사)

‌I
 김윤경의 이번 전시 타이틀은 『Reverse and Penetrate』이다. Reverse는 ‘뒤집다’, ‘(입장을)바꾸다’, ‘후진하다’ 는 뜻을 가지고 있으며, Penetrate는 ‘관통하다’, ‘간파하다’, ‘이해하다’, ‘삽입하다’ 라는 뜻을 담고 있다. 이런 연유로 이번 전시는 두 단어를 어떻게 해석하느냐에 따라 미묘한 차이가 생겨 관객에 따라 다르게 읽을 수 있을 거 같다. 그래서 이번 전시는 그녀가 중층적인 의미를 내포한 전시로 기획한 것임을 추측해 볼 수 있다. 필자는 대략 ‘뒤집으며 이해해 가기’라는 과정의 의미로 해석하고자 한다.
 김윤경은 이번 전시에 Virus와 Scape를 합친 「Viruscape」, 즉 「바이러스풍경」 (제1전시실)과 「Skin-Clothing」, 「피부-옷」이라는 제목의 설치작품 (제3전시실), 그리고 2011년과 2007, 2008년에 실행한 퍼포먼스 작업 「Reverse and Penetrate」의 기록영상물을 선보인다. (제2전시실) 각각의 작품 제목을 듣는 순간 각 작품 간의 어떤 연관성이 있을 거 같지 않다는 생각이 든다. 실제로 전시된 작품을 보는 순간 더욱더 그런 생각이 든다. 과거에 실행한 퍼포먼스의 기록 영상을 제외한 두 작품 모두 제작 연도는 2016년이지만 「피부-옷」은 그녀가 2005년에 제작 전시한 「두껍아! 두껍아! 헌 집 줄게 새집 다오」 라는 작품을 확장 발전시킨 것이며, 「바이러스 풍경 상영하고 있는 비디오 영상 「Live Blood」는 1999년 작품이다. 결국, 이번 전시에서 작품이 외형상 단절 된 것 같이 느껴지는 이유는 17년이라는 시간이 고스란히 녹아있는 데서 비롯되었다고 볼 수 있을 것이다.  그러하다면 김윤경은 김종영조각상 수상 기념전에 어떤 의도로 이와 같이 작품을 선정하여 전시했는지 살펴봐야 할 것이다.

‌II
김윤경의 초기 작업은 옷에서 출발하였다. 그녀의 작업에서 옷은 피부의 확장으로 사람을 의미한다. 더불어 안과 밖을 구분 짓는 경계이기도 하다. 경계는 이후 집이라는 공간으로 확대되었다. 그녀에게 집은 옷의 확장이다. 이런 사유의 결과가 2007년과 2008년에 실행한 ‘입을 수 있는 집’을 소재로 한 퍼포먼스 작업인 것이다. 이때부터 그녀는 작품 제목을 「Reverse and Penetrate」라 하였다. 초기에 그녀는 작품에 필요한 옷을 직접 만들었다. 그 옷들은 옷이지만 실제 입을 수 있는 옷이 아니었다. 그러다 2005년 「두껍아! 두껍아! 헌 집 줄게 새집 다오」를 발표하면서부터 누군가 입던 실제 옷을 기증받아 사용하였다. 기증받은 옷을 해체한 후 다시 조합하여 마름질하지 않은 상태의 소가죽 형상을 만들어 허공에 매단 작업이었다.
  김윤경은 이번 전시에 나무로 만든 캐비닛-앞뒤에 갈비뼈와 척추의 형상을 투각하였고 양 옆으로 소매가 붙어 있는 것으로 봐서 몸통을 상징하는 거 같다-안에 옷에서 띄어 낸 상표로 신체 장기를 해부학적으로 거의 정확하게 만들어 놓았다. 캐비닛 아랫부분에서 조합된 천이 퍼져 나와 2005년 작품과 같이 옷을 해체해 만든 소가죽 형상의 펼쳐진 형태로 바닥에 모습을 드러낸다. 이는 배설물을 연상시킨다. 그리고 벽에도 소가죽 형상이 걸려있다. 라벨로 만든 장기는 아마도 현대인들의 물질적 욕망을 상징하는 거 같다. 채워질 수 없는 욕망을 충족시키기 위해 한없이 소비를 해도 궁극에는 의복이라는 가장 원초적인 역할 이외에는 다름이 아니라는 것을 보여주는 작업이라 할 수 있을 거 같다. 이는 태어날 때는 모든 것을 소유하고자 손을 꽉 쥐고 태어나지만 삶을 마감할 때는 아무것도 가지고 가지 못하기에 손을 펴고 임종을 맞는다는 어른들의 말을 연상시킨다.
  이번 전시작품 「피부-옷」은 초기의 옷을 소재로 한 작업과는 개념상 많은 변화가 있다. 옷을 만드는 작업의 출발은 반反조각적인 개념, 즉 중력과 공간에 대한 재고였다. 작업이 지속되면서 차츰 옷의 의인화 비중이 높아진 것이다. 그녀는 점차 만든 옷을 뒤집기 시작하였다. 옷을 경계로 내부는 신체와 맞닿은 매우 사적인 공간이다. 그녀에게 옷을 뒤집는다는 것은 지극히 사적인 공간을 남에게 드러내는 의미라고 할 수 있다. 여기서 머물지 않고 그녀는 옷들을 다양한 형태로 연결하여 개인이 착용 불가능한 옷을 만들었다. 사적인 것을 드러내는 것에서 사회 속 인간의 관계를 되새기는 작업으로, 작품 소재로서 옷의 지평이 확장된 것이다. 그리고 이번 전시 작품에 이르게 되었다.
  약 20년간 김윤경의 옷을 소재로 한 작업의 여정을 간략하게 살펴보았다. 물론 옷 작업 이외에도 그녀는 다양한 작업을 발표하였다. 한 예로서 인간의 숙명에 관심을 가지고 수상학 手相學을 공부하며 손금을 수놓은 장갑을 만든 『Gloves of Fate』 연작을 제작하였다. 거의 같은 시기에 개인의 정체성을 성찰하는 의미로 가족의 피를 현미경으로 관찰한 『Blood Sampling』 연작을 발표하였다. 이 두 연작은 옷 작업을 해오던 그녀이기에 약간은 의외라고 할 수 있을 거 같다. 그동안 옷 작업을 통해 그녀는 인간사 전반에 관한 내용을 다루었으나 ‘손금’과 ‘피’라는 색다른 소재를 통해 ‘숙명’과 ‘정체성’ 같은 특정한 주제를 다룬 작업이기 때문이다. 한마디로 이 작업들은 그녀의 지극히 사적인 경험에서 출발한 작업이라 사료된다. 달리 말하면 관념적인 작업에서 구체적인 작업으로 전환된 것이다. 그만큼 그녀의 작업은 다양한 스펙트럼을 보여주며 사람들 관계에서 비롯된 삶의 문제에 대해 성찰해 왔다.‌

 III
제1전시실은 제3전시실의 「피부-옷」과는 전혀 다른 풍경이 펼쳐진다. 전시장 벽면에는 반쯤 열린 문들과 바깥 풍경이 보이는 창문들이 벽면에 설치되어있다. 문과 창문으로 인해 전시장은 가상의 생활공간이 된다. 문과 창밖으로는 일정한 패턴의 알 수 없는 이미지들이 보인다. 그러나 매우 화려한 색상의 특이한 이미지들이다. 특히 전시장 한쪽에는 격리된 병실같이 보이는 공간이 있다. 메르스 창궐 당시 언론에서 자주 본 음압 병실 같이 보이는 공간이다. 병실 침대 시트와 담요는 창밖에 보이는 이미지 중 하나로 덮여 있다. 그리고 침대 옆 옷걸이에는 각종 약 상자의 이미지로 뒤덮인 환자복이 걸려있다. 그러나 병실에 환자는 부재한다.
  한편 전시장 한쪽 벽면에는 인큐베이터같이 보이는 것의 바닥이 창밖 이미지들로 씌워져 벽면에 설치되어 있다. 이 작품 앞에는 몇 개의 문이 세워져 있는 데 그 이미지로 뒤덮인 원통 관이 그 문들을 관통하고 있다. 이 작품 뒤에는 창밖에 보이는 이미지로 만든 커튼이 드리운 공간 안에서 1999년 작 「Live Blood」 (3분 3초)가 상영되고 있다. 현미경으로 관찰한 김윤경 자신의 혈액샘플에 클로즈업한 자신의 얼굴 중에서도 특히 눈이 잠깐씩 겹친다. 그리고 우주의 빅뱅과 같은 장면으로 끝을 맺는다. 동양의학에서 말하는 인체는 소우주라는 생각이 반영되지 않았나 싶다.
  마지막으로 「Live Blood」 옆 공간에는 신생아의 이미지가 모기 망의 보호를 받으며 모기떼에 감싸여 있다. 최근에는 아기와 모기 하면 리우 올림픽 때 부각된 지카 바이러스가 연상된다. 그녀는 제1전시실에 전시된 이 모든 작품의 제목을 바이러스 Virus와 풍경 Scape 이 합쳐 친 「Viruscape」라고 명명하였다. 작품에 등장하는 일정한 패턴의 알 수 없는 화려한 색상의 이미지들은 최근 몇 년 사이 온 인류를 공포에 몰아넣은 에볼라, 메르스, 지카 바이러스를 전자현미경으로 촬영한 이미지를 확대한 것이다. 관객들은 바이러스로 둘러싸인 이 가상의 실내공간을 두리번두리번 살핀다.
「Viruscape」는 제목만큼이나 의학적인 소재로 이루어진 설치 작업이다. 특히 1999년 자신의 피를 직접 채혈해서 현미경으로 관찰하여 제작한 「Live Blood」가 그렇다. 이는 김윤경이 의료인 집안에서 성장하였기 때문이다. 그래서 그녀는 병원과 의학적 소재에 매우 친숙하다. 앞서 살펴본 『Blood Sampling』 연작도 이런 배경에서 비롯되었다. 특히 2000년 동덕갤러리에서 열린 전시 『말을 걸어오는 性』 에 출품한 작품 「性스러운 聖, 聖스러운 性」에서 그녀는 정자가 수정하기 위해 난자를 향해 열심히 헤엄쳐가는 동영상을 사용하기도 하였다.
 병원에 친숙한 김윤경이지만 그녀는 몇 년 전 처음으로 치른 장례를 통해 비로소 죽음에 대해 진지하게 생각해보게 되었다고 한다. 당시 그녀는 삶의 허망함을 새삼 느꼈다고 한다. 불혹을 갓 넘어 처음 직면한 죽음은 충분히 자신의 삶을 되돌아보는 계기가 되었을 것이다. 인간은 항상 ‘memento mori’, 죽음을 염두에 두고 살아가야 하는 ‘필멸의 존재’이다. 누구나 나이가 들수록 죽음을 의식하게 된다. 그러기에 인간은 나이가 들수록 겸허해지는 것이 아닐까 싶다. 그렇지만 죽음에 대해서는 그 누구도 경험을 얘기해줄 수 없기에 가장 불가지한 것이다. 그렇기에 두려운 것이다. 죽음이 두려워 인간은 종교를 만들었다고 하지 않는가. 김윤경도 예외는 아닌 거 같다.
 한편 우리는 2015년 5월부터 11월까지의 메르스 사태를 기억할 것이다. 초기에 안일한 대처로 사망자 38명, 세계 최고 수준의 치사율 20%를 기록하였다. 당시 대중교통에 승객이 줄어들고 경제가 꽁꽁 얼어붙었다. 메르스 바이러스는 우리의 삶의 방식에 직접적인 영향을 미쳤고, 2014년 세월호 침몰사건에 이어 정부의 위기관리 시스템에 대한 근본적인 문제까지 대두되었다. 전염병에서 비롯된 막연한 죽음에 대한 공포가 대한민국사회를 송두리째 흔들어 놓았다. 검은 대륙 아프리카에서 발생한 치사율 90%의 에볼라는 인종적 편견으로 인해 더욱 심각했다. 2016년 리우 올림픽에 즈음해서는 소두증을 유발하는 지카 바이러스로 인해 한때 몇몇 나라에서 올림픽 참가를 확정 짓지 못하는 사태도 발생했다. 사실 이 모든 사태는 죽음의 공포에서 비롯된 것이다. 김윤경은 전염병에서 비롯된 이런 현상들을 통해 사회의 반응을 살펴보며 인간의 보편적 속성에 대해 성찰하고 있는 것이다. 이를 작품화 한 것이  「Viruscape」이다.

‌Ⅳ
  김윤경의 작업은 그 동안 많은 변화가 있었다. 그만큼 그녀가 그 동안 보여준 작업은 매우 다양하다. 요즘 말로 하면 그녀는 멀티형 작가라 할 수 있을 거 같다. 왜냐하면 그녀는 동시에 다양한 소재로 여러 유형의 작품을 연작으로 제작 발표하였기 때문이다.
  ‘멀티태스킹’은 시대적 요구이다. 멀티태스킹은 PC의 성능이 향상되며 가능해졌다. 결국 멀티태스킹이 시대적 요구가 된 것은 인간이 기계에 적응해가는 과정의 소산이라 할 수 있을 것이다. 한편 인터넷과 SNS의 진화가 우리의 삶을 여러모로 바꿔놓고 있다. 특히 ‘뉴스의 시대’가 도래 하였다. 과거에는 검열을 통한 보도금지가 언론통제의 중요 수단이었다면, 뉴스의 시대에는 언론의 자유에 기반 한 뉴스의 홍수가 언론통제의 새로운 수단으로 자리 메김을 하였다. 결과적으로 속보의 시대이며 뉴스는 소모품이 되었다. 새것을 쏟아내어 망각을 유도하는 것이다. 반대로 인터넷의 대중화는, 의견이 분분하지만, 집단지성으로 대변되는 지식의 민주화를 이룬 것은 사실이다. 그 결과 지식인의 개념이 ‘좁고 깊게 파는 한 우물’ 형에서 ‘얕고 넓은 팬케이크’ 형으로 변해가고 있다. 한편 뉴스시대에 우리는 속도에 더욱 민감해졌다. 생각도 속도가 중요하다. 어쩌면 지금의 변화 속도는 한 생명체로서 인간의 생체시계로는 도저히 적응할 수 없는 속도이지 않을까 싶다. 그러나 속도가 중요한 이유는 모든 것이 상품으로 소비되는 시대라는 것이 주된 원인이다. 결국 그만큼 경쟁이 치열하다는 것이다. 성찰보다는 앞만 보고 달려야 된다. 미술도 예외는 아니다.
  이런 시대를 살며 김윤경은 작가로서 예민한 촉각을 가지고 주변을 살펴 왔다. 특히 그녀는 개인전을 개최할 때마다 이전 작업과는 다른 진일보한 작업을 보여주고자 노력해 왔다. 그녀는 초기의 옷 작업에서 이번 전시작 「Viruscape」까지의 변화 과정을 신체에서 비롯된 관심사가 변해온 것이라고 하였다. 다양한 신체를 직 간접적으로 소재로 사용하였기에 소재적인 측면에서는 그렇게 볼 수도 있겠다. 그러나 필자는 그것을 다른 맥락에서 읽어 볼 수 있을 거 같다는 생각이 든다.
“사람이 슬퍼서 우는 것일 수도 있지만, 울다 보면 슬퍼질 수도 있는 것이다. 그리고 그때부터는 진짜 슬퍼서 울게 되는 것이다.” 결국, 작업이라는 것도 이와 같아서 몰입해가다 보면 미처 생각지 못하던 의미를 작가 스스로 발견해 나갈 수 있는 불확정의 세계라 할 수 있다. 앞서 살펴본 것과 같이 김윤경 작업에서 옷은 중력과 공간에 천착하는 전통조각에 반한 작업을 위해 선택되었고 차츰 의인화되어 집까지 확장되었다. 옷이라는 소재는 그렇게 자신의 의미를 찾아 나간 것이다. 한편 손금과 혈액을 통해 숙명과 정체성이라는 문제에 천착하다 미물인 바이러스로부터 나약한 인간임을 깨달은 것과 같이 그녀의 작업은 ‘관념에서 구체적인 것’으로의 이행이었다. 한마디로 요약하면 초기의 옷 작업부터 이번 전시에 출품한 작품까지 그녀의 작업에 주된 주제는 인간에 대한 이해해 가는 것으로 일관된 것이다. 마치 특수한 경우를 성찰하여 보편적인 이론을 도출해내고자 성찰하는 연구자의 태도와 같다고 할 수 있다.
글 모두에서 김윤경의 이번 전시 제목은 중층적인 의미를 내포하고 있다고 하였다. 그녀가 전시 제목에 각별히 신경을 쓰는 것을 통해 그녀가 언어적 사유에 상대적으로 좀 더 비중을 두지 않나 싶다. 직관(이미지적 사유)보다는 논리(언어적 사유)에 좀 더 치중하는 것 같다고 할 수 있겠다. 그녀의 초기 작업부터 그러했던 것 같다. 그러나 방법적인 면에서 변화가 생겼다. 초기의 작업이 시적인 방법으로 중층적인 의미를 옷이라는 소재에 함축적으로 담아내고자 하였다면, 점차 그녀의 작업은 서술적인 방법을 통해 이야기를 담아내고자 하였다. 그래서 형식적으로 그녀의 작업은 옷을 소재로 출발한 작업이 점차 설치작업으로 전개되었고, 퍼포먼스까지 확장되었다. 더불어 다양한 매체를 사용하고 있다. 아마도 그 정점은 이번에 전시하는 「Viruscape」가 아닐까 싶다. 개별 작품들이 모여 많은 이야기가 담겨있는 하나의 작품으로 제시된 것이다. 그녀는 설명과 암시의 경계에서 많은 고민을 하며 작업을 전개해 나가고 있는 것 같다.
청년작가들의 창작활동을 격려하기 위해 제정된 김종영조각상이 올해 제14회부터 미술상으로 개편되었기에 김윤경은 김종영조각상으로는 마지막 수상자라 할 수 있다. 그녀는 이번 수상 기념전을 개최하며 약 20년간의 작업 여정을 뒤돌아보며 앞으로의 작업에 대해 새로운 각오를 다지고 있다. 그녀는 ‘무엇을 위해 작업을 하는 것인지’ 그 어느 때보다도 심각하게 고민하며 이번 전시를 준비하였다. 물론 이 질문은 어느 작가든 일생동안 되새김질해야 할 질문일 것이다. 이번 전시에 그녀가 17년 전 작품을 가장 최근 작품과 함께 한 공간에 전시한 것을 보며 더욱 그런 느낌이 든다. 이번 전시를 보며 고갱이 타이티에서 그린 그의 최대의 역작 『우리는 어디서 왔는가? 우리는 누구인가? 우리는 어디로 갈 것인가?』가 떠오른다. 왜일까?

‌‘From abstractness to the everyday world – understanding through turning things inside out’
 
 
                                                                                                                                                       Park, Choon Ho (Doctor of Literature)‌

 Ⅰ
The title of Yun Kyung Kim’s exhibition is 『Reverse and Penetrate』. ‘Reverse’ means to ‘turn something inside out,’ ‘change (one’s stance),’ ‘move backward,’ while ‘penetrate’ means to ‘puncture,’ ‘see through,’ ‘discern,’ or ‘insert.’ The subtle interpretational differences of these words will enable the audience to understand the exhibition in various nuances. In this sense, it can be assumed that the artist planned to embody multiple meanings through this exhibition. I would interpret this as a process of ‘understanding through turning things inside out.’
In this exhibition, Yun Kyung Kim presents 「Viruscape」 which is a compound word of ‘Virus’ and ‘Scape’ (1st exhibition room), an installation entitled 「Skin-Clothing」 (3rd exhibition room), and a video documentation of 2011, 2007 and 2008 performances 「Reverse and Penetrate」 (2nd exhibition room). There seems to be little interrelation upon hearing the titles of the individual works, and in fact, looking at the works this may even seem true. While the two works, apart from the video documentation of past performances, were produced in 2016, 「Skin-Clothing」 is a development of the 2005 「Toad! Toad! Give me a new home, I will give you mine」, and the video exhibited in 「Viruscape」 is based on her 1999 work 「Live Blood」. Hence, the reason behind this seeming disconnection may be due to the 17 years of time collapsed into this one exhibition.
If so, one should try to understand Yun Kyung Kim’s intention for selecting these works for this year’s Kim Chong Yung Prize for Sculpture exhibition.

 Ⅱ
Yun Kyung Kim’s early works started from making clothes. For her, the fabric is an extension of the skin, which symbolizes the person. Furthermore, the fabric is the boundary which divides the inside from the outside. Later, this notion of boundary developed spatially into a house, and in this sense, the house is an extension of the clothes. This line of thought resulted in the 2007 and 2008 performances of ‘Wearable House’  and ever since, she has entitled her works 「Reverse and Penetrate」. At the very beginning, the artist herself made the clothes for her work which were not wearable. Then from 2005’s 「Toad! Toad! Give me a new home, I will give you mine」, the artist started to use donated clothes which were once worn by others. She deconstructed and restructured the donated clothes, in the form of a cow’s skin without tailoring the fabric, and hung it in mid-air.
Yun Kyung Kim displays a wooden cabinet – maybe to symbolize the torso with the front and back carved in the form of a rib cage and a spine, with sleeves on both sides – where anatomically accurate-looking organs, made out of clothes tags, are placed inside. Fabric flows from the lower part of the cabinet, and as in her work of 2005, the reconstructed clothes cover the floor in the form of a cow’s skin. This reminds one of excretion. Cow skin is also hung on the wall. The organs made of clothes tags seem to symbolize the material desires of people today. This work implies that clothes can only fulfill its basic functions despite the continuous consumption of it in hope of satisfying our unending desires. It also reminds us of past sayings where one is born with clenched fists in desire to own everything but releases it upon death because nothing can be taken.
           There are many conceptual differences between the artist’s early works using clothes and this exhibition’s 「Skin-Clothing」. The starting point for using clothes as a material was its anti-sculptural properties, in other words, to re-think the notion of gravity and space. As the artist’s work progressed, the personalization of clothes became more significant. She started to reverse the clothes she made, and the inside of the fabric which initially touched the skin became representative of an extremely private space. For the artist, turning the clothes inside out illustrated the display of an intimate space, and instead of settling at this point, she connected the clothes in various forms to create something that could not be worn. The display of a private matter was to ruminate human relationships within a society, and clothes as a material had expanded its meaning. This is what has resulted in this exhibition.
           The above was a quick overlook of the artist’s past 20 years of work using clothes. Indeed, she has exhibited many other works as well. For example, the 『Gloves of Fate』 - glove embroidered with lines of the palm – was made in the interest of a person’s destiny by studying palmistry. At around this time, the 『Blood Sampling』 series was exhibited which was based on the microscopic observations of blood samples as a process of contemplating personal identity. Both series may be unexpected of her as she had continued working with clothes. This is because her clothes work focus on the overall history of humankind while the two series look at specific topics, ‘destiny’ and ‘identity,’ through novel materials such as ‘palm lines’ and ‘blood.’ In short, these works seem to have stemmed from extremely personal experiences. To put it differently, the artist’s work has developed from abstractness to specificity. As have been demonstrated, her works embody a large spectrum and contemplate deeply on the issues of life in respect to human relationships.

 Ⅲ
The 1st exhibition room displays a completely different scene from the 3rd exhibition room’s 「Skin-Clothing」. Half-opened doors and windows that show a scenery are exhibited on the walls. The doors and windows create a virtual living space out of the exhibition room. Outside the doors and windows are an unidentifiable but rhythmic pattern of images, which are colorful yet unusual. In one corner of the exhibition room, there is a space that looks like an isolated hospital room. It is reminiscent of the negative pressure isolation wards that were aired through media coverage during the MERS crisis. The bed sheet and blankets are covered by one of the images shown on the wall, and hanging next to the bed, is a patient clothes covered in images of various medicine boxes. However, the patient is not there.
On one side of the exhibition wall, the underside of what looks like an incubator is covered by the images shown outside the window. In front of this object, there are a number of doors with a circular pipe, covered by the same images, penetrating the doors. Behind this work is a space with curtains covered by the same images where 「Live Blood」 (1999, duration 3 minutes 3 seconds) is being shown. Images of the artist’s blood samples observed through the microscope is overlapped with a close-up of her face, stopping especially briefly on her eyes. The video ends with a scene which looks like the big bang of the universe. I assume that the idea of a body as a small universe in oriental medical science is projected here.  Lastly, next to 「Live Blood」 is an image of a new-born protected by a mosquito net while being surrounded by a swarm of mosquitoes. The baby and the mosquito is evocative of the Zika virus. She named the title of her works as viruscape which combines the words virus and scape. The images that colorful, unknown and with repeating patterns are the electron microscope images of Ebola, MERS and Zika virus which terrorizes the mankind for years. Audiences are left to look around in this virtual space surrounded by viruses.  
「Viruscape」 is an installation which uses medical sources as its material, as suggested by its title. 「Live Blood」(1999) which uses microscopic images of the artist’s own blood sample is representative of this. The artist is very familiar with the hospital and medical materials, and the earlier mentioned 『Blood Sampling』 series has also been inspired against such background. At Dongduk Art Gallery’s 『Sex, initiating conversation』 exhibition of 2000, the artist utilized footages of sperms swimming towards an egg in 「Sexual sacredness, Sacred sex 」.
Yun Kyung Kim, being an artist familiar with hospitals, said she started to seriously contemplate death a few years back after a funeral. She mentioned that she realized the futileness of life anew. Facing death for the first time, at just over 40, would have given her the chance to look back on life. Man always need to be mindful of death – memento mori – as we are doomed to perish at one point. We become more aware of death as we grow older, and maybe this is also why we become more humble through age. However, because no one can tell us of the experience of death, it is a great unknown, and therefore frightening. Do not people say that religion was created because of the fear of death? Yun Kyung Kim is no exception.
We remember the MERS epidemic which lasted from May until November of 2015. The complacent management of the epidemic resulted in 38 deaths, and one of the highest fatality rate of 20% compared to global records. Use of public transportation decreased, and the economy stalled. The MERS virus directly hit our lives, and the epidemic followed by the 2014 Sewol ferry disaster made us fundamentally question the government’s crisis management system. The vague fear of death sparked off by an epidemic shook the whole of Korea. The Ebola virus which started off in Africa, with a critical fatality rate of 90%, was considered even more serious which was also in part based on racial prejudices. At around the 2016 Rio Olympics, a number of countries refused to confirm participation due to the Zika virus. In essence, all these circumstances arose due to the fear of death. Looking at the aftermath of epidemics, Yun Kyung Kim has discerned the reaction of society and contemplated on the universal attributes of humankind.

 Ⅳ
Yun Kyung Kim’s work has evolved throughout the years, and her work has diversified. In today’s terms, she could be called a multi-type artist because she has created a number of different types of work using numerous materials concurrently.  ‘Multitasking’ is required by today’s society. ‘Multitasking’ has been made possible through the upgrades of PC specifications. In other words, multitasking becoming today’s requirement may be the process of man adapting to the machine. On the other hand, the evolution of the internet and social networks is changing our lives in a number of ways. Also, the ‘age of news coverage’ has come upon us. While in the past, censorship was a tool of media control, in the ‘age of news coverage’ the overflow of media, based on the freedom of the press, has become the new tool of media control. As a result, today is the age of breaking news, and news is simply a consumable good. We forget through the constant supply of new things. In contrast, the widespread use of the internet – although this may be a contentious statement – has made the democratization of knowledge possible. As a result, the concept of an intellectual has evolved from someone who delves in deep and narrow to someone who can cover wide albeit superficially. All along, we have become more conscious of the speed of things. Even the speed of thinking has become important. It could be that today’s rate of change is not something a person’s biological cycle can truly adapt to. However, speed is important today because we live in an age where everything can be consumed as a good. This also means that the competition is fierce. We run towards what is ahead of us rather than look back, and art is no exception.
           Living in such an age, Yun Kyung Kim has looked around her attentively. In her personal exhibitions, she has constantly tried to exhibit work that has progressed and matured from her previous works. She has said that from her earlier works using clothes to the more recent 「Viruscape」, a natural evolvement of her interest in the body is found. This may be true in the sense that she has used the body directly and indirectly as her material throughout the years, but I also believe this can be interpreted in a different context as well.  ‌  ‘A person may cry because one is sad, but one can feel sad because one cries. From that moment on, the person cries because one is truly sad.’ Artistic pursuit may be similar in that immersing oneself in their own work leads to an indeterminate world where unexpected discoveries are made. As mentioned earlier, clothes were chosen by Yun Kyung Kim as a deliberate move against traditional sculpture which inquires the concepts of gravity and space. This was then personalized and expanded into the idea of a house. Clothes as a material had found its own meaning. On the other hand, while searching for the meaning of destiny and identity through palm lines and blood samples, the artist had made the transition from ‘abstractness to specificity’ in realization of the fragility of the humankind by observing various viruses. In short, from the early works of using clothes to the works presented in the current exhibition, the artist has consistently tried to understand human nature. This attitude is similar to a researcher who investigates a specific case to extract a universal theory.    
             In her writings, Yun Kyung Kim mentioned that the title of the exhibition carries multiple meanings. Her sensitivity and particularity of choosing exhibition titles show how linguistic contemplation is an important aspect to the artist. It may be that she places more importance on the logical (linguistic contemplation) side rather than the intuitive (image-based contemplation). This is apparent even from her very early works, but her methods have changed over the years. While her early works used clothes as a material with layered meanings in a poetic manner, later on, her works embodied stories in a descriptive way. Formally, her works started with clothes, which developed into installations and even broadened into performances. Furthermore, she uses various mediums which are epitomized in 「Viruscape」. The individual works have been put together to construct a singular work with many narratives. She seems to ponder heavily between the boundaries of explanation and insinuation as she develops her work.
The Kim Chong Yung Prize for Sculpture – established to encourage the work of young artists – is reorganized into an Arts prize from its 14th year, hence Yun Kyung Kim is the last to receive this prestigious prize for sculpture. The artist looks back on 20 years of work through this exhibition, and also heads into the future with new resolve. She has contemplated more than ever about the purpose of her work in preparing this exhibition. Indeed, this is a question that all artists ponder throughout their lives. The fact that she displays her work of 17 years ago in the same room with her most recent work suggests this as well. This exhibition reminds me of Gaugin’s masterpiece 『Where Do We Come From? What Are We? Where Are We going?』, painted while he was in Tahiti. I cannot help myself but wonder why.